Sia che tu abbia vagato nella vertiginosa rotonda del Museo Guggenheim e ti sia chiesto cosa ci vuole per ottenere arte sulle pareti (arrotondate) o se stai pensando a una carriera nel campo dell'arte, non cercare oltre.
Abbiamo incontrato Nancy Spector, vicedirettore e Jennifer e David Stockman Chief Curator presso il Guggenheim Museum per ascoltare un leader del settore e dare un'occhiata all'atto di bilanciamento richiesto per essere al timone di uno dei più prestigiosi del mondo musei d'arte moderna. Spector ha generosamente condiviso le sue intuizioni sull'arte nell'era digitale, iniziando nel settore come stagista (nota dello scrittore: anche io) e la prima opera d'arte che ha avuto un impatto su di lei.
Puoi descrivere cosa comporta essere il vicedirettore e capo curatore di un museo d'arte di livello mondiale?
In poche parole, direi che è un intenso atto di bilanciamento. In qualità di vicedirettore che lavora a stretto contatto con il regista Richard Armstrong, sono responsabile dello sviluppo dei contenuti al Guggenheim di New York, ma anche alle nostre affiliate a Bilbao, Venezia e Abu Dhabi (che è attualmente in fase di sviluppo). Penso all'istituzione in un contesto globale e cosa significhi per la nostra programmazione, la nostra collezione e il nostro impegno nelle culture di tutto il mondo.
Poi c'è la gestione più granulare del nostro calendario delle mostre, lavorando con i singoli curatori per realizzare al meglio i loro programmi, assicurandoci di rimanere in missione, produrre nuove borse di studio e innovazione in primo piano. Siamo tutti raccolte di fondi al museo, quindi gran parte del mio tempo è dedicato anche alla coltivazione di mecenati, all'individuazione di singoli donatori e sponsor e alla formulazione di iniziative che potrebbero attrarre sostegno. Come curatore, ho anche i miei progetti espositivi da ricercare e produrre, che è sempre stato il fulcro della mia pratica.
Che aspetto ha una giornata tipo nel tuo ufficio?
Non credo di avere mai un giorno "tipico" da citare. Posso partecipare a incontri consecutivi con altri curatori, direttori di dipartimento, membri del consiglio di amministrazione o ospiti. Gli argomenti spaziano dalle discussioni di programmazione, revisioni del calendario e del budget, pianificazione strategica, preparazione dell'acquisizione, politica di gestione delle raccolte e revisioni dell'installazione, solo per citarne alcuni. Ma posso anche essere in biblioteca o scrivere per gran parte della giornata. Poi ci sono visite in galleria e in studio, per le quali provo a riservare del tempo.
Come si fa a bilanciare la parte relativa alla ricerca e alle mostre dell'essere curatore con i doveri amministrativi di gestione di un'istituzione culturale; come indossi entrambi i cappelli?
Cerco di bloccare il tempo per la ricerca, la lettura e la scrittura in anticipo sul mio calendario in modo da avere giorni senza riunioni. Ma, a dire il vero, gran parte del lavoro creativo viene svolto "dopo ore", se c'è più una cosa del genere.
Maurizio Cattelan: Tutti, Museo Solomon R. Guggenheim, 4 novembre 2011 - 22 gennaio 2012. David Heald © Fondazione Solomon R. Guggenheim
Potresti parlare un po 'di curare mostre nell'edificio Frank Lloyd Wright, una dichiarazione dell'artista in sé e per sé?
L'eccentrica architettura del Guggenheim offre uno dei luoghi più gloriosi in cui ammirare l'arte. Chiaramente, sono di parte, avendo lavorato lì per così tanti anni, ma la combinazione di poter vedere un'opera d'arte in modo intimo - stando proprio di fronte ad essa in una delle nostre baie - e guardandola attraverso la distesa della rotunda, è un'esperienza singolare. Come curatore, devi prendere in considerazione questa realtà spaziale quando pianifichi un'installazione. Tutti tendiamo a pensare in modo lineare, come una cosa legge accanto a un'altra, ma al Guggenheim, devi anche pensare a come il lavoro verrà letto verticalmente, come si accumula quando visto con ciò che è sopra e sotto sulle rampe .
I miei progetti espositivi più memorabili sono stati quelli che coinvolgono artisti contemporanei che rispondono all'edificio in modi sorprendenti e senza precedenti. Matthew Barney ha incorporato l'edificio come personaggio nel suo film Cremaster 3 ; ha filmato un'intera sequenza di sogni in cui ha ridimensionato l'interno. Questo filmato è diventato letteralmente il fulcro di un'installazione che comprende scultura, video e fotografia, che riassume l'intero ciclo di Cremaster in cinque parti. Per la mostra che ho curato con Tino Sehgal, abbiamo lasciato la rotonda completamente vuota come sfondo per il suo lavoro basato sulla conversazione, questo progresso, in cui i visitatori hanno iniziato a discutere con quattro generazioni di "interpreti" formati da artisti mentre salivano le rampe . E Maurizio Cattelan, in un gesto provocatorio e autoironico, ha sospeso ogni lavoro che abbia mai prodotto dal lucernario del museo in un commento ironico sulla natura totalizzante delle mostre retrospettive.
Qual è stato il tuo primo lavoro nel mondo dell'arte?
Dopo aver conseguito la laurea, ho svolto uno stage presso il Guggenheim, che, per caso, si è trasformato in un vero lavoro. Sono stato assunto come assistente curatoriale e, a parte un breve periodo, sono stato al museo da allora.
Che consiglio daresti ai giovani interessati a una carriera nelle arti?
Consiglio sempre di ottenere almeno un master in storia dell'arte o teoria culturale. Sembra sempre più importante fare stage; hai quasi bisogno di stage per ottenere stage in questi giorni; ma l'esperienza pratica è davvero importante.
Oltre a quello pratico e teorico, suggerirei di trovare un mentore, che possa aiutare a navigare nei vari regni del mondo dell'arte. Esistono percorsi diversi se desideri lavorare in un museo o in una galleria o in una casa d'aste o creare uno spazio alternativo o trovare un diario.
Matthew Barney: Il ciclo CREMASTER, Museo Solomon R. Guggenheim, 21 febbraio 2002 - 11 giugno 2003. David Heald © Fondazione Solomon R. Guggenheim
Pensi che la cura possa essere insegnata (nel contesto dei numerosi programmi curatoriali della scuola di specializzazione)?
Ho avuto una formazione tradizionale di storia dell'arte e ho imparato a curare il lavoro, quindi è difficile per me dirlo. Penso che l'esercizio della formulazione e della comunicazione di una tesi di esibizione possa essere insegnato, ma le capacità di installazione e l'esecuzione della visione di un artista possono essere affinate solo dall'esperienza.
È un adagio il fatto che New York sia cambiata moltissimo in una generazione, dalla 57th Street a Soho al Chelsea, ovunque ci troviamo ora con dozzine di biennali internazionali e arte vissuta online. Cosa pensi sia cambiato in meglio? Cosa è cambiato in peggio?
Il fatto che l'arte sia diventata uno "stile di vita" con così tante persone facoltose che cercano di riunire collezioni di trofei e fiere d'arte che diventano destinazioni di festa non può essere positivo. Non è un bene per gli artisti che sono costretti a creare continuamente "prodotti" per sostenere tutte queste fiere, che forniscono un luogo distorto per la visione delle loro opere. Sempre meno persone stanno assistendo alle mostre della galleria degli artisti, dove possono presentare una serie di lavori che sostengono un argomento specifico. Invece incontrano il pezzo isolato in uno stand in una fiera. Detto questo, questo crescente interesse si traduce in una maggiore presenza nei musei, il che aiuta a sostenere il lato no profit dell'equazione.
Penso che l'espansione della nostra cultura digitale offra un cambiamento positivo e promettente nel modo in cui le persone producono, distribuiscono e consumano cultura visiva. Non sto necessariamente supportando "internet art", ma piuttosto il modo in cui gli artisti utilizzano diverse piattaforme online per raggiungere un nuovo pubblico. Ad esempio, il Guggenheim ha collaborato con Google alcuni anni fa per lanciare un programma di premi che riconosceva video creativi su YouTube. È stato un esperimento radicale per noi, ma crediamo che YouTube (e anche Vimeo e ora Vine) offra ai talenti giovani o emergenti gli strumenti per creare e distribuire il lavoro in modi mai disponibili prima. Certo, c'è poco o nessun filtro, ma è quello che abbiamo fornito.
Matthew Barney: Il ciclo CREMASTER, Museo Solomon R. Guggenheim, 21 febbraio 2002 - 11 giugno 2003. David Heald © Fondazione Solomon R. Guggenheim
Qual è la prima opera d'arte che ha avuto un impatto duraturo su di te?
Bene, i miei genitori avevano un facsimile di un gocciolamento di Jackson Pollock nel nostro salotto, quindi sono stato esposto all'astrazione in giovane età. Il vero punto di svolta per me è stata la mostra di Joseph Beuys al Guggenheim, che ho visto mentre ero al college, senza sapere nulla sull'artista (o sull'arte contemporanea in generale, dato che ero un ballo e una filosofia maggiore). L'installazione, che era narrativa e fantastica, mi è sembrata urgente in qualche modo e volevo saperne di più.
Qual è l'ultima mostra che ti ha davvero emozionato?
È una combinazione della recente retrospettiva di Pierre Huyghe al Centro Georges Pompidou e del sondaggio di Philippe Parreno al Palais de Tokyo, entrambi a Parigi. Entrambi gli spettacoli hanno animato i loro ambienti usando suono, luce, tempo e narrazione in modi davvero unici. Pierre ha usato elementi live - un cane e interpreti in costume - come parte dell'installazione. È stata la prima mostra che ho incontrato a guardarmi mentre la guardavo.
