Ho visto molto di riferimento che si occupa di illuminazione di recente, e ho avuto l'opportunità di guardare la lezione di Gnomon Masterclass su Efficient Cinematic Lighting con Jeremy Vickery (che attualmente lavora come direttore tecnico dell'illuminazione presso Pixar).
Ho seguito l'arte di Jeremy per anni. Ha uno stile davvero estroso e fantasioso, ed è stato uno dei primi artisti che ho seguito su DeviantArt (probabilmente quattro o cinque anni fa).
Ho anche dato un'occhiata più approfondita al secondo libro di James Gurney, Colour and Light.
Anche se lavorano in diversi mezzi, James e Jeremy sembrano condividere una filosofia relativamente simile sulla luce, cioè che l'illuminazione della scena deve essere avvicinata analiticamente, ma che l'artista deve anche sapere dove le regole e le teorie possono essere spezzate o esagerate per aggiungere prosperità e interesse
La masterclass di Jeremy e il libro di Gurney offrono entrambi molti buoni consigli per creare un'illuminazione efficace in una composizione.
Ho cercato di abbattere alcuni dei loro punti principali per trasmetterti a te per l'uso con le immagini 3D.
01 di 06Comprensione efficace dell'illuminazione a 3 punti
L'illuminazione a tre punti è la tecnica più utilizzata per l'illuminazione verticale e cinematografica, ed è qualcosa che devi davvero capire per creare immagini CG di successo.
Non entrerò in troppi dettagli qui, ma una configurazione base di illuminazione a 3 punti sarebbe in genere simile alla seguente:
- Luce chiave - La fonte di luce primaria, spesso posizionata a 45 gradi davanti e sopra il soggetto.
- Luce di riempimento - Una luce di riempimento (o calcio) è una fonte di luce secondaria più morbida utilizzata per illuminare le aree d'ombra della composizione. Il riempimento è generalmente posizionato di fronte alla chiave.
- Rim Luce - Una luce di bordo è una fonte di luce forte e brillante che splende sul soggetto da dietro, utilizzata per separare il soggetto dal suo sfondo creando una sottile cornice di luce lungo la silhouette del soggetto.
Pozzi di luce
Quando Jeremy Vickery menzionò per la prima volta questa tecnica nel suo corso di perfezionamento, quasi non ci pensai due volte, ma quando iniziai a guardare sempre più opere digitali con l'illuminazione in mente, mi venne in mente quanto fosse onnipresente (ed efficace) questa tecnica è, soprattutto nei paesaggi.
Gli artisti del paesaggio digitale usano "piscine di luce" in modo quasi compulsivo per aggiungere drammaticità e interesse a una scena. Dai un'occhiata a questa bellissima illustrazione di Victor Hugo e fai attenzione a come usa una piscina concentrata di illuminazione brillante per aggiungere drammaticità all'immagine.
Molti dei pittori della Hudson River School hanno usato le stesse tecniche.
La luce nella natura è raramente costante e uniforme e non fa mai male esagerare. Nella conferenza di Jeremy, dice che il suo obiettivo come artista non è quello di ricreare la realtà, è di fare qualcosa di meglio. "Sono d'accordo con tutto il cuore.
03 di 06Prospettiva atmosferica
Questa è un'altra tecnica che è incredibilmente utile per gli artisti dell'ambiente che hanno bisogno di creare un senso di profondità nelle loro immagini.
Molti principianti commettono l'errore di utilizzare un'illuminazione e un'intensità del colore coerenti per l'intera scena. In realtà, mentre gli oggetti si allontanano dalla fotocamera, dovrebbero dissolversi e retrocedere sullo sfondo.
Gli oggetti in primo piano dovrebbero in genere avere alcuni dei valori più scuri nella scena. Il mid-ground dovrebbe contenere il punto focale, illuminato di conseguenza, e gli oggetti sullo sfondo dovrebbero essere desaturati e spostati verso il colore del cielo. Più lontano l'oggetto, meno distinguibile dovrebbe essere dal suo background.
Ecco un fantastico dipinto che enfatizza la prospettiva atmosferica (e la luce in comune) per migliorare la profondità.
04 di 06Gioca a Warm Against Cool
Questa è una classica tecnica pittorica, in cui gli oggetti in illuminazione tendono ad avere tonalità calde, mentre le aree d'ombra sono spesso rese con una dominante blu.
Il maestro illustratore fantasy Dave Rapoza usa questa tecnica abbastanza frequentemente nei suoi dipinti.
05 di 06Usa l'illuminazione implicita
Questa è una tecnica che Gurney e Jeremy toccano. Illuminazione implicita
È una strategia utile perché dà allo spettatore l'impressione che ci sia un mondo oltre i bordi della cornice. Un'ombra da un albero o una finestra invisibile non solo aggiunge stai aggiungendo forme interessanti alla tua immagine, ma aiuta anche a coinvolgere il tuo pubblico e ad immergerlo nel mondo che stai cercando di creare.
Usare una fonte di luce implicita che è ostruita dalla vista del pubblico è anche una strategia classica per coltivare un senso di mistero o meraviglia. Questa tecnica era famosa in entrambi Pulp Fiction e Repo Man
06 di 06Split Second Composition
La seconda composizione divisa è particolarmente importante quando si accende l'animazione o gli effetti visivi. Parafrasato molto vagamente, Vickery fa essenzialmente la seguente affermazione nella sua lezione di Gnomone:
"Il cinema non è come l'arte, nel senso che il pubblico non avrà l'opportunità di stare in una galleria e vedere ogni singola immagine per cinque minuti. La maggior parte degli scatti non dura più di due secondi, quindi assicurati di utilizzare la luce per creare un punto focale che salti immediatamente dallo schermo. "
Di nuovo, la maggior parte di questa citazione è parafrasata secondo le mie stesse parole, ma il punto fondamentale che sta cercando di fare è che nel film e nell'animazione non hai molto tempo a disposizione della tua immagine per fare impressione.
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